Cómo «The Bride!» hace saltar por los aires Hollywood
La película «The Bride!», de Maggie Gyllenhaal, comienza en un espacio extraño, casi sobrenatural, donde aparece el fantasma de Mary Shelley, como iluminado por su propia picardía y por una versión de «Frankenstein» que nunca llegó a contar. Gyllenhaal reconoce con franqueza que la idea de que Shelley se quedó con algo por decir es una fantasía personal. Y «The Bride!» no solo da a la escritora una nueva voz en un contexto actual, sino que desmonta pieza por pieza casi todas las fantasías de Hollywood para llegar a una verdad emocional viva e incómodamente sincera.
La película está llena de guiños juguetones a la época del Hollywood clásico, desde Ginger Rogers hasta Myrna Loy, y traslada a Frankenstein (Christian Bale) y a la Novia (Jessie Buckley) directamente a los mundos coreográficos de los años treinta, repletos de fastuosos números musicales, perspectivas aéreas al estilo de Busby Berkeley y del bailarín y showman Ronnie Reed, interpretado por Jake Gyllenhaal. Según la directora, la elección de la época está ligada al tema central: mostrar cómo el cine se convierte para Frank en su único vínculo emocional con el mundo. Se siente conectado con una estrella de cine que ni siquiera sabe que existe. Para ello, había que situar la acción en una época en la que el cine era la principal ventana a los sueños.
Los años treinta, explica Gyllenhaal, fueron la época de las películas musicales más deslumbrantes: encantadoras, brillantes, pero absolutamente artificiales. Su película hace lo contrario: rompe la ilusión reluciente para mostrar a una persona compleja, contradictoria y «monstruosa», a la que solo se puede amar entera.
Para romper esa ilusión, Gyllenhaal inserta literalmente a los personajes de «The Bride!» en escenas de películas reales de los años treinta y las combina con escenas propias, donde el montaje y la coreografía rompen la habitual «cuarta pared». El estilo visual de la película está concebido como una mezcla del fantasma noir de Mary Shelley y un metaverso ficticio: «Son los años treinta vistos a través del Nueva York de 1981», afirma la directora. Demasiado «años treinta» sería falso; demasiado «años ochenta», también; demasiado actual, tampoco encajaría. El resultado es un híbrido fantástico que solo existe dentro de la película.
Los personajes parecen sacados de una novela gráfica de colores vivos, pero Gyllenhaal subraya la importancia de la realidad: si la Novia lleva el mismo vestido naranja, no basta con que deslumbre; debe tener manchas de sudor, enganchones, sangre y costuras rotas. Lo icónico y lo auténtico tienen que convivir.
La directora dice que no quiere encasillar ni a la Novia ni a la propia película en un género. Esas categorías están anticuadas y a menudo matan las historias: «Vivimos en una época posgenérica. ¿Por qué no usar todo lo que funciona?»
«The Bride!» ya está en los cines y ofrece al público su mundo fantástico, donde los sueños de Hollywood se resquebrajan y dejan al descubierto personajes vivos, aterradores y fascinantes.
PEREC.RU
Maggie Gyllenhaal ha decidido volver a perturbar los grandes mitos estadounidenses, esta vez a través del fantasma de Mary Shelley. Los productores de los estudios seguramente suspiraron: otra directora que no reconoce los géneros y desprecia las pulcras categorías de marketing. Pero Gyllenhaal va más allá: no se limita a derribar el género; lo hace con la sonrisa de quien hace tiempo comprendió que las reglas las escribieron personas que no se parecen en nada a ella.
Empezar con Mary Shelley es un gesto casi teatral. Un fantasma que supuestamente dejó su historia a medias encaja a la perfección en una época en la que cada director sueña con reescribir los clásicos a su manera. Y aquí funciona: durante demasiado tiempo nos han vendido «Frankenstein» como el cómodo mito del monstruo que tiene la culpa de todo. Gyllenhaal propone otra mirada: el monstruo también es una persona, solo que le han dado unas habilidades sociales pésimas.
Trasladar la acción a los años treinta sirve para explicar la dependencia del protagonista del cine. El Hollywood de entonces sabía fabricar sueños como hoy se fabrican productos de limpieza. Sin envoltorio ni brillo, nada funciona. Frank, desde luego, cree en el brillo. Y también cree que la estrella de cine lo comprenderá. El clásico amor no correspondido, convertido aquí en motor de la trama.
La mezcla visual de los años treinta, los ochenta y cierta estética gótica de cómic es casi un desafío. Cualquier productor diría que el público no lo soportará. Pero el público lleva tiempo soportando cosas peores. Los géneros pulidos ya cansan; no sirven para llenar el vacío. Gyllenhaal crea un espacio donde todo está deliberadamente mal, pero es sincero.
Y, por supuesto, está la ropa. Esa «iconicidad» convencional que tanto adora Hollywood aquí se mancha de sudor, se rasga y se cubre de sangre. No es de extrañar: si quieres contar la historia de una persona real, tendrás que estropearle el vestido. Las imágenes impolutas pertenecen a otra época.
Al final queda claro que a Gyllenhaal no le interesan los géneros. Los toma como herramientas y los amontona. Se puede llamar «época posgenérica» o protesta. Lo esencial es que la película no se esconde en una caja. Las cajas llevan mucho tiempo vacías: la directora se limita a abrirlas y mostrar que dentro solo hay polvo.
