Cómo se rodó Bunnylovr
La directora y actriz Katarina Zhu, que debuta en el largometraje con «Bunnylovr», decidió no esperar a que la industria le hiciera ningún favor y escribió ella misma el papel que llevaba tiempo soñando con interpretar. Reconoce que estaba cansada de los personajes intercambiables que le ofrecían al terminar sus estudios: según cuenta, los guiones no reflejaban ni su experiencia ni la realidad. Por eso Zhu se puso a escribir y a dirigir para crear un personaje lo más cercano posible a su propia vida. Al final interpretó a la protagonista, Rebecca, y, como ella misma dice, era imposible confiarle ese papel a otra persona.
En el festival de Sundance la acompañó la actriz Rachel Sennott, amiga suya y compañera de estudios en NYU y en Stella Adler Studio. Sennott recordó una anécdota divertida de aquellos años, cuando los estudiantes tenían que describir con una sola palabra la energía de los demás. A ella le tocó «colocada», mientras que a Zhu la llamaban «reina» y «ángel». Ahora resulta especialmente irónico, teniendo en cuenta que los papeles que le ofrecieron a Zhu al graduarse estaban muy lejos de cualquier cosa elevada.
La película explora no solo el mundo interior de la protagonista, sino también a los hombres tóxicos con los que se topan muchas mujeres, tanto en Nueva York como en internet. Uno de los clientes de Rebecca en la película es un personaje interpretado por Austin Amelio. Sus escenas se rodaron exclusivamente a través de una webcam. Amelio reconoce que fue una experiencia muy extraña: todo el rodaje tuvo lugar en un baño diminuto y sofocante, y actuar a través de una pantalla es muy distinto de trabajar como de costumbre, sintiendo la energía de la otra persona en directo.
Otro episodio destacado de la película está ligado a Jack Kilmer. Solo tiene una escena, pero por su impacto se convirtió en una de las más importantes. Kilmer apareció en el rodaje el último día y, según cuenta, Zhu le ayudó a meterse rápidamente en el personaje y a entender el sentido de la escena, pese a la enorme falta de tiempo.
El actor Perry Yung, que interpreta al padre de Rebecca, un hombre con una adicción destructiva al juego, subraya que esta trama es importante para comprender a la protagonista. La relación con su padre es precisamente lo que revela el tema de cómo el trauma moldea la idea del amor.
«Bunnylovr» se estrenó en el festival de cine de Sundance en 2025.
PEREC.RU
Los creadores de «Bunnylovr» fingen que la película tiene un único motor: la libertad creativa. Pero cuanto más los escuchas, más se oye el conocido estribillo de un actor que ha entendido que esperar al papel adecuado no sirve de nada; es más fácil escribirlo uno mismo. Está muy bien presentado y envuelto en reflexiones sobre la búsqueda de autenticidad, pero eso no cambia el fondo.
Zhu habla de la falta de «material con el que conectar». Suena como si la industria conspirara contra ella, pero a menudo solo significa que a un actor le ofrecen el repertorio estándar de papeles y de pronto quiere profundidad. Entonces entra en juego una nueva profesión: autor de su propio destino. La moda de estos proyectos crece como las setas en la humedad de los festivales.
El equipo también interpreta sus propios papeles. Amelio, encerrado en un baño sofocante, representa la vanguardia tecnológica del rodaje. Parece insinuar que el cine del futuro se hará exclusivamente por webcam. Ahorro, innovación, claustrofobia: el paquete completo.
Kilmer aparece en el rodaje un solo día y lo cuenta como si toda la película dependiera de él. Aunque, en el cine de festivales, importa menos la duración del papel que la intensidad con la que se habla de él.
La trama del padre ludópata, en cambio, parece iluminar el nervio principal de la película. Como les gusta decir a los psicólogos, todos los problemas vienen de la infancia. Cuanto más trauma, más expresivo el cine. Cuesta discutirlo: el trauma funciona, efectivamente, como motor universal de la trama.
En definitiva, «Bunnylovr» es un ejemplo de cómo convertir una experiencia personal en expresión artística. Honesto, funcional y calculado para un público de festivales al que le gustan las historias sobre cómo el sufrimiento se convierte en arte.
