La multiexposición y cómo convivir con ella

La multiexposición no es un término nuevo, pero casi nunca se oye fuera de los círculos de aficionados a la fotografía. La idea es sencilla: se combinan varias tomas en una sola y se crean imágenes que pueden parecer abstractas y artísticas o una ilustración salida del sueño de un fotógrafo agotado. Antes había que hacer malabares con el carrete en la Zenit del abuelo; hoy la tecnología permite combinar imágenes directamente en la cámara, desde las réflex hasta los móviles, y, si da pereza, siempre se puede recurrir a cualquier editor de fotos.

La popularidad de esta técnica ha crecido notablemente en los últimos años: añadir textura, mezclar colores o simplemente tapar un edificio anodino con una capa de abstracción brumosa ya no interesa solo a jóvenes creativos, sino también a personas mayores. Se nota especialmente en las escuelas de fotografía de las grandes ciudades, donde están hartas de las interminables postales de la Plaza Roja.

El autor reconoce que antes no le entusiasmaba esta técnica, pero cambió de opinión: resulta que combinar imágenes recuerda a la pintura. Se puede unir lo que en la vida real no puede estar junto y obtener una imagen que no le explique al turista «qué torre es esa», sino que más bien le haga preguntarse por el sentido de la vida y la elección de la paleta de colores.

Se pueden mezclar fotos en la cámara o después, en un editor. En las cámaras sin espejo actuales, los modos de multiexposición se esconden en lo más profundo de los menús: los hay muy básicos, de activar y desactivar, y también avanzados, como Additive (suma las zonas claras de todas las tomas; hay riesgo de sobreexposición si no se reduce la exposición), Average (combina las fotos con corrección automática de la luz), Lighten/Bright (muestra los puntos más luminosos, útil para letreros de neón) y Darken (hace lo contrario y aísla los detalles oscuros, como las sombras o la textura de la corteza de un árbol).

Para no acabar con una papilla quemada en blanco o un borrón oscuro, conviene ajustar manualmente la exposición para cada modo y experimentar; algunas cámaras, por suerte, muestran una vista previa en pantalla. Hay algunos trucos: guardar los originales por si acaso, para luego unir la combinación adecuada en el ordenador.

También recomiendan elegir con criterio qué fotografiar: una silueta nítida —un paisaje urbano o el perfil de una persona—, un contraste marcado entre luces y sombras y el menor caos posible: ese es el secreto de una buena multiexposición. La abstracción y el desorden artístico son ideales para quienes buscan combinaciones llamativas; en ese caso sirven Additive o Average. Para un collage urbano definido, Darken ayuda a resaltar las siluetas.

Hay aficionados a esta técnica —por ejemplo, @bewaremyfuji en Instagram— que llevan el juego a otro nivel, añadiendo movimientos deliberados de cámara o combinando dibujos con fotografías de paisajes industriales. Fujifilm está especialmente especializada en esto: hasta los nombres de los modos cambian un poco, pero la idea es la misma.

Por último, no confundáis la doble exposición con la multiexposición: dos tomas son lo clásico y sirven para aprender; con más, llegan el dinero, la fama y el riesgo de descubrir lo difícil que es ser artista incluso con tecnología moderna. Lo clásico casi siempre funciona; los experimentos con muchas tomas son para paladares selectos y requieren trípode si queréis fotografiar bailarinas voladoras o maratonianos en plena acción.