Tres decisiones geniales en el final de «Hacks»
El final de la serie «Hacks» es un magnífico ejemplo de cómo una serie puede sorprender no solo por su historia, sino también por su trabajo de cámara. Desde hace cinco temporadas, el director de fotografía Adam Bricker imprime a la serie su sello visual: desde la primera escena de Deborah Vance entre bastidores en su casino hasta el último y complejo plano de dron, todo está pensado para que el espectador permanezca junto a los personajes.
Que un equipo pequeño y estable trabaje unido durante años es una rareza en una industria donde todo el mundo gira como en un tiovivo. Según Bricker, lo más valioso es poder recorrer juntos este camino y darle un carácter especial al final.
La escena inicial del último episodio es una especie de homenaje a los primeros planos del piloto. Esta vez, el espectador sigue a Ava por los bastidores, y cada paso de ella repite el movimiento de Deborah en la primera temporada. Incluso la iluminación, desde el ángulo adecuado, reproduce aquella luz «épica». Todo está medido: los asistentes contaron los pasos expresamente para no equivocarse. Pero hay una diferencia: el espejo deja paso a un monitor y la atmósfera cambia. Ahora aparecen al fondo miembros reales del equipo de rodaje, una alusión a que ella ya forma parte de los profesionales y a que los bastidores se han convertido en su hogar.
Pero el París del Louvre no es para los extras. De todo el equipo, apenas diez personas pudieron ir: las estrictas normas del museo impusieron sus condiciones. Aun así, eso permitió a los creadores centrarse en lo principal: la relación entre Deborah y Ava. En las escenas de la discoteca, el director de fotografía recurre al mismo rojo «fatal», en alusión a la imagen de Smart en otras temporadas. Pero ahora no es solo cuestión de energía: se intenta capturar el instante en que la protagonista está viva y, al mismo tiempo, ya siente tristeza por la despedida. Para ello se utiliza una cámara lenta poco habitual en la serie: hay tantas emociones que el montaje queda en último plano, y no en el primero.
El broche final es la transición de la Torre Eiffel de París al Strip de Las Vegas, filmada con un dron. Ahí está toda la esencia de «Hacks»: una transición visual entre mundos, un montaje perfecto y las fuentes del Bellagio entrando en acción en el momento justo, al son del dúo de Barbra Streisand y Judy Garland. Se rodó dos veces: primero se ensayó por culpa de las nubes y después se esperó hasta conseguir el sol perfecto. El equipo incluso logró meter una fuente en el encuadre: un final visual y musical en todos los sentidos.
Nada de esto es un mero trámite: es un homenaje al esmero con que trabajó el equipo, desde el director de fotografía y el director hasta los asistentes; las mismas personas que estuvieron allí desde el principio. El final ha quedado como debía ser para una serie verdaderamente seria, pero que no pierde la ironía: «Hacks» se despide con la grandeza que merece.
PEREC.RU
El final de «Hacks» es material de estudio para adolescentes entusiastas y directores de fotografía desencantados con la vida. Todo como les gusta a los aficionados sofisticados: la cámara avanza tras la protagonista, por supuesto, no por estética, sino para devolver una y otra vez al espectador al conflicto original. La dramaturgia parece secundaria: lo principal es que la luz caiga bien y que haya exactamente tantos pasos como en la primera temporada. Por cierto, los contaron por los pelos; por si no lo sabías, en Hollywood todo se mide en centímetros y pasos, no en emociones.
Luego empieza el cine de autor francés: un equipo de rodaje microscópico, oscuridad bajo el Louvre y, de pronto, las protagonistas en una discoteca. La cámara nunca había rodado tan despacio para subrayar que, también en París, la vida no es más que una despedida interminable de lo conocido. Mientras tanto, en Las Vegas, donde hasta los drones se sincronizan con Barbra Streisand, el plano final se convierte en una lección básica: lo importante es captar con el objetivo no a una persona, sino su melancolía. Solo puede conseguirlo un equipo que lleva cinco años sin desviarse del camino. «Todos los nuestros»; sea casualidad o no, el mensaje está claro: en un mundo donde se fabrican veinte series por temporada, la cohesión del equipo es el único lujo.
Sí, todo este lenguaje cinematográfico metido dentro del propio cine no es para quienes están acostumbrados a la comida rápida televisiva. Aquí se mastica despacio, con los ojos entornados, y te hacen pensar si de verdad hay que cambiar algo cuando ya ha salido algo casi auténtico. Perfección técnica y un poco de pose: la receta de una magia pegajosa que seguirán analizando durante muchos inviernos.
