David Hockney, maestro del arte contemporáneo, muere a los 88 años
David Hockney, célebre pintor británico, falleció en Londres el 11 de junio, a los 88 años. La noticia de su muerte la comunicó su secretaria de prensa, Erika Bolton. Hockney se hizo famoso por sus cuadros luminosos y llenos de alegría sobre Los Ángeles en las décadas de 1960 y 1970, que devolvieron la figura humana y la pintura narrativa a una época dominada por la abstracción. Experimentó con estilos artísticos durante toda su vida; llegó incluso a cambiar el pincel por el iPad y, en sus últimos años, se interesó por el arte digital y creó proyectos inmersivos.
En un documental de 2014, Hockney dijo: «Me interesa la observación en sí; la cuestión es con cuánto detenimiento miramos».
Hockney nació el 9 de julio de 1937 en Bradford, Yorkshire del Oeste, y fue el cuarto de cinco hermanos. Su padre era pacifista y reparaba cochecitos de bebé; su madre, con quien el artista tenía una relación estrecha, posaba a menudo para él. En 1957, Hockney ya había vendido su primer cuadro, un retrato de su padre, por apenas 10 libras esterlinas.
En 1959 se trasladó a Londres para estudiar en el Royal College of Art, donde se hizo amigo del estadounidense R. B. Kitaj y conoció a los artistas Francis Bacon y Peter Blake. Hockney era abiertamente gay antes de la despenalización de la homosexualidad en Inglaterra, que no llegó hasta 1967. No solo representó con delicadeza las relaciones entre personas del mismo sexo —por ejemplo, en una serie de ilustraciones para poemas de C. P. Cavafis en 1966—, sino que tampoco tuvo miedo de criticar la censura de las imágenes LGTBI.
Tras participar en una exposición colectiva en el ICA de Londres en 1962, Hockney celebró su primera exposición individual en la galería Kasmin en 1963 y después se trasladó al sur de California. Allí cambió el óleo por el acrílico, que dio a sus obras un aire «de dibujos animados», y la vida californiana bañada por el sol —piscinas, palmeras y amantes del bronceado descansando sin preocupaciones— se convirtió en su tema característico.
En los cuadros de Hockney de los años sesenta y setenta casi se puede sentir físicamente el frescor del aire acondicionado en las lujosas mansiones («Coleccionistas americanos: Fred y Marcia Weisman», 1968) o las salpicaduras del agua («A Bigger Splash», 1967). También se percibe la tensión sexual, en el retrato de Bahram y Isherwood (1968) o en «Retrato de un artista (Piscina con dos figuras)» (1972).
En los años ochenta, Hockney empezó a experimentar con Polaroids y ensamblaba decenas de fotografías para crear una sola imagen, casi como una panorámica del suroeste estadounidense. También probó los gráficos por ordenador, las impresoras de oficina e incluso el fax, con el que envió un cuadro gigantesco a la Bienal de São Paulo de 1989.
En los años noventa, debido a la enfermedad de su madre, Hockney regresó a Inglaterra y volvió a interesarse por la acuarela y el óleo. Creó enormes lienzos con paisajes de Yorkshire («Más árboles junto al agua», 2007) y una panorámica de un camino romano en plena floración primaveral (2009). Los bosques y los árboles aparecerían después en sus obras digitales en repetidas ocasiones, a veces dibujados en tonos insólitos, como el magenta.
Hockney también fue objeto de críticas. En 1982, la revista Artforum calificó sus obras de «banales», y The Guardian arremetió en marzo de 2024 contra el mural de 90 metros «Un año en Normandía». Pero eso no impidió que el artista celebrara más de 400 exposiciones individuales: desde una retrospectiva en la Whitechapel de Londres a comienzos de los setenta hasta la triunfal muestra de la Fondation Louis Vuitton de París en la primavera de 2024, que recibió a 917.000 visitantes.
Los cuadros de Hockney se conservan en algunos de los museos más importantes del mundo: el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles, el Art Institute de Chicago, el Metropolitan Museum de Nueva York, el British Museum de Londres, el Centro Pompidou de París y otros.
A Hockney le sobreviven su pareja, Jean-Pierre Gonçalves de Lima, y sus dos hermanos, Philip y John. En sus últimos años se desplazaba en silla de ruedas y sufrió un ictus, pero siguió trabajando hasta el final y no perdió el sentido del humor: «Sinceramente, no creía que fuera a llegar hasta aquí. ¡Lo hemos conseguido!», le contó a la BBC a principios de 2025.
PEREC.RU
Probablemente David Hockney no se consideraba un mago, pero hizo con el arte de los siglos XIX y XX algo que muchos no habrían soportado: devolvió a las personas a los cuadros y los volvió tan luminosos que parecen brillar por sí solos. Su biografía parece un folleto para quienes no creen en los cambios: del hijo de un reparador de cochecitos de Yorkshire a icono de las subastas mundiales; trabajó con pinceles, cámaras, impresoras fotográficas y un iPad.
Hockney llevó la homosexualidad al primer plano décadas antes de que se pusiera de moda y discutía con toda calma con académicos y críticos: tenía su propio vocabulario, y las opiniones ajenas no parecían tener cabida en él. De vez en cuando lo tildaban de provocador, pero al final resultó que los directores de museos hacían cola por el «banal» Hockney.
Cuando su madre envejeció, regresó a Inglaterra y dedicó sus lienzos al bosque de su tierra natal. El bosque, claro, era de color magenta, ¿por qué no? Hoy los artistas contemporáneos cogen tabletas digitales con regularidad, como si eso fuera todo el sentido del arte, pero Hockney ya había reservado su parcela.
Se convirtió para el mundo en algo parecido a una aplicación de marca: funciona en todos los museos, se reconoce al instante y no deja de actualizarse. Y con mucho sentido del humor, incluso cuando el ictus y la silla de ruedas ya habían entrado en escena.
Su último gesto es una burla a la muerte y un aplauso a su «¡Lo hemos conseguido!». Como se mire, un final magnífico para un hombre que pasó la vida pintando lo que todos se avergonzaban de mirar.
