Adiós a la creadora de cascadas

Pat Steir, la artista cuyas célebres «Cascadas» la convirtieron en una estrella del arte estadounidense en los años ochenta, murió el 25 de marzo en Nueva York a los 87 años. La noticia la dieron su marido, Jus Ellers, y su sobrina, Lily Sukonick-Cohen. Steir no solo fue una artista reconocida, sino también cofundadora de la librería Printed Matter de Nueva York y una de las primeras integrantes del consejo editorial de la revista feminista Heresies. Aunque alcanzó la fama generalizada después de cumplir los cincuenta, ella misma decía que había sido «olvidada y redescubierta muchas veces». Pero el deseo de pintar le nació a los cinco años y nunca la abandonó. En 2015 le confesó al cineasta Glenn Holsten: «Quería ser una gran artista; no en el sentido de esa expresión de moda, sino en el de llegar al alma de otras personas».

Iris Patricia Sukonick nació el 10 de abril de 1938 en Newark, Nueva Jersey, en una familia en la que ambos padres habían estudiado en una escuela de arte. Siguió sus pasos: estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Boston y en el Instituto Pratt de Brooklyn, donde tuvo como profesores a Philip Guston y Richard Lindner. Tras graduarse en 1962, adoptó el apellido Steir, tomado de un breve matrimonio temprano, y se mudó a Nueva York. Allí trabajó como ilustradora y diseñadora de libros, después como directora artística en Harper & Row y más tarde dio clases en la Parsons School of Design. A la vez, se volcó en su propia obra, pese a ser una de las pocas mujeres en el ambiente artístico neoyorquino, dominado entonces por los hombres. Recordaba que sentir que la infravaloraban por ser mujer solo la liberaba.

«Pensaba que, si estaba haciendo algo que nadie podía ni imaginar, podía hacer cualquier cosa», le dijo a Kiki Smith en una conversación de 2019. «Puedo vagar por mi propio territorio de preferencias y deseos».

A principios de los años setenta, John Baldessari la invitó a dar clases en el California Institute of the Arts, donde también inició una relación con Sol LeWitt. Al mismo tiempo, se convirtió en una de las editoras de Semiotext(e) y enseñó allí hasta 1975. En una entrevista para los Archivos de Arte Americano del Smithsonian en 2008, contó que había pedido un estudio con un ventanal enorme y vistas, pero la luz era tan intensa que tenía que bajar las persianas; así nacieron sus «pinturas negras». En aquellos grandes lienzos monocromos, rosas y otras imágenes aparecían tachadas con enormes cruces. «Quería destruir las imágenes como símbolos. Convertir una imagen en símbolo de un símbolo», explicó más tarde. Estas obras le dieron reconocimiento y pasó la segunda mitad de los años setenta viajando por Estados Unidos y Europa, mientras participaba en la creación de Printed Matter y Heresies.

En los años ochenta, Steir quería trabajar sin tocar el lienzo con un pincel. Así nacieron sus «Olas»: cuadros que creaba agitando el pincel y lanzando pintura sobre la superficie del lienzo para obtener un efecto «estrellado». «El tamaño de estas obras dependía de lo que alcanzaba con el brazo extendido», explicó en una conversación con Fong Bui en 2011. Fue el inicio de sus pinturas «performativas». Las «Olas», en las que respondía a la pintura de Jackson Pollock, Gustave Courbet y Hokusai, la llevaron a la serie «Cascadas», donde ya no había sitio para el pincel.

Se interesó por la pintura china de la época de los literatos y la cerámica de la dinastía Song del Sur, y entonces comprendió que podía limitarse a verter pintura, dejar que la naturaleza «se pintara a sí misma». «La gravedad pintará el cuadro conmigo», decía. La influyó profundamente la filosofía de John Cage: la idea de la no intencionalidad y de renunciar al control.

Las primeras «Cascadas» aparecieron en 1988. Steir se subía a una escalera de mano o, más adelante, a una plataforma elevadora y vertía pintura al óleo diluida sobre enormes lienzos. La pintura descendía y formaba capas transparentes y luminosas, como si salpicaran al llegar a la base del lienzo. El efecto transmitía a los espectadores calma y, al mismo tiempo, asombro, en contraste con la energía nerviosa del expresionismo abstracto. Siguió desarrollando la técnica durante décadas, a veces con composiciones más sobrias, como en la serie de enormes lienzos de mediados de la década de 2010, donde tonos suaves caían «como lluvia» en líneas verticales uniformes.

Más tarde creó el monumental proyecto Color Wheel (2018-19): treinta grandes lienzos dispuestos en círculo, cada uno de un color intenso, atravesado por una franja de un tono complementario. La periodista Ida Panicelli escribió que la instalación en la rotonda del Museo Hirshhorn producía un efecto casi místico: el círculo de color parecía engullir al espectador.

A lo largo de su carrera, Steir recibió becas del Fondo Nacional para las Artes en 1973 y 1976, y una beca Guggenheim en 1982. En 2020, Verónica González Peña rodó un documental sobre ella. Sus obras forman parte de las colecciones permanentes de algunos de los principales museos del mundo: el Metropolitan, el MoMA, el Guggenheim y el Whitney de Nueva York; la National Gallery de Washington; el Louvre de París, y la Tate de Londres. El 9 de mayo se inaugurará una gran exposición de su obra en el Museo Parrish de Water Mill, abierta hasta el 26 de septiembre.

Steir siguió pintando casi hasta su muerte. Marc Payot, presidente de la galería Hauser & Wirth, señaló en un comunicado que había «surgido del minimalismo y el conceptualismo, pero creado su propio lenguaje visual: una nueva abstracción en la que se entrelazan poesía y filosofía». También destacó su entrega a la experimentación y que siguiera trabajando hasta sus últimos días como prueba de la fuerza de su visión y su voluntad.