Nashville convierte a sus ídolos en museos y bares
En los últimos diez años, el centro de Nashville ha ido reuniendo todo un distrito de bares con nombres de estrellas del country, entre ellos locales vinculados a Garth Brooks, Eric Church y Blake Shelton. Ahora se suma una nueva ola: museos dedicados a artistas concretos. Para una ciudad donde la música hace tiempo que forma parte de la infraestructura turística, es una forma de atraer a quienes no se conforman con tomarse una copa mientras suena una canción conocida.
En junio abrió el museo y destilería de Alan Jackson. Ocupan parte del edificio donde ya funciona el museo de Johnny Cash; el 13 de octubre, este presentó oficialmente su ampliación en la segunda planta. El 9 de octubre tuvo lugar la ceremonia conjunta de apertura del museo «A Life in Many Colors», dedicado a Dolly Parton, y del nuevo hotel SongTeller, consagrado a la cantante.
Este tipo de negocio tiene limitaciones naturales: puede que a los artistas que empiezan les falten objetos e historias para montar una exposición completa, y algunos músicos no conservan sus recuerdos con demasiado cuidado. Pero hay demanda, también por parte de familias con niños, que no pueden entrar en los bares. «Necesitamos más entretenimiento para las familias. Necesitamos más lugares que no estén relacionados con la comida y la bebida», afirma Bill Miller, fundador de Icon Entertainment Group, propietaria del museo de Cash.
Los museos dedicados a artistas conviven con instituciones consagradas a géneros musicales enteros. En el centro de Nashville están el National Museum of African American Music, inaugurado en 2021; el Museum of Christian & Gospel Music, abierto en 2025; y el Country Music Hall of Fame and Museum, el más antiguo y conocido de todos. Hace 25 años se convirtió en uno de los principales atractivos del barrio, al trasladarse allí tras más de tres décadas en un edificio parecido a un granero, en Music Row, una calle vinculada a la industria musical.
El Country Music Hall of Fame and Museum demostró que un museo puede ganar dinero no solo con las entradas y los recuerdos. Entre sus instalaciones están la imprenta Hatch Show Print, que imprime carteles de conciertos, una división editorial y espacios que se alquilan. Las exposiciones se renuevan con regularidad para dar a los visitantes un motivo para volver.
El museo de Jackson tiene su propio modelo. En la destilería, los visitantes pueden llenar su propia botella de whisky Silverbelly, asistir a un evento privado o entrar en la taberna. Los cócteles los ha creado la hija del cantante, Mattie, maestra mezcladora y especialista en la creación y combinación de bebidas. El local recuerda a un bar de barrio, pero turistas de distintos países suelen conocerse allí y hablar de la música de Jackson.
«La gente se queda aquí 45 minutos, una hora; cuenta sus historias. Es una de las cosas más maravillosas de trabajar aquí. Oyes hasta qué punto ha influido en la vida de la gente. A veces, los visitantes se echan a llorar aquí mismo», dice Robbie Goldsmith, director ejecutivo del museo de Jackson y de la marca Silverbelly.
Los objetos expuestos ayudan a sentir una conexión con un artista que normalmente parece inalcanzable. Esto es especialmente cierto en el caso de músicos fallecidos, como Cash y Parton. Carlene Carter, hija de June Carter Cash, esposa de Johnny Cash, señala que las cartas personales y la ropa revelan cosas que no se conocen a través de la imagen pública. Incluso alguien que haya venido por acompañar a otra persona puede convertirse en admirador si le gusta la personalidad que se trasluce en los objetos del artista.
La ampliación del museo de Cash recurre a la tecnología para hacer interactiva la visita. Como al músico le apasionaban los trenes, la exposición incluye una simulación de viaje: se oyen ruidos ferroviarios y los asientos vibran. En un pequeño estudio se puede grabar una canción de Cash y recibir la grabación por correo electrónico. También hay un escenario decorado al estilo del programa de televisión «The Johnny Cash Show», donde los visitantes pueden actuar ante la cámara.
El museo de Parton cuenta con ventajas adicionales: está en un hotel de varias plantas. El edificio alberga el espacio para conciertos Parton’s Live, y el vestíbulo contiguo al museo está concebido como un espacio flexible para eventos de distintas dimensiones y tipos. En la inauguración, el director creativo de Parton, Steve Summers, explicó que la sala no debe imponer un guion a los visitantes: serán ellos quienes decidan para qué sirve, desde una boda hasta una fiesta.
La exposición incluye los recuerdos esperados: vestidos, fotografías y premios. Pero el espacio también está decorado con el inconfundible estilo de Parton: suelo brillante, elegantes adornos en forma de mariposa, lámparas temáticas y libros-mariposa suspendidos del techo en la sección dedicada a su proyecto Imagination Library. «Algo así no se compra en Walmart. Aquí todo se ha creado, ideado, diseñado y fabricado específicamente. Cada objeto tiene un sentido: cuenta una historia y ayuda al admirador a encontrar a la Dolly que busca», dijo Summers.
La historia de los museos temáticos de Nashville no está hecha solo de inauguraciones. El museo de Patsy Cline ocupó antes una planta que ahora forma parte de la ampliación del museo de Cash. El museo de George Jones abrió en Second Avenue en 2015, pero sufrió las consecuencias de la explosión que sacudió la ciudad en Navidad y de la pandemia de COVID-19; cerró en 2021. El museo de Glen Campbell abrió en 2020, un mes antes de que la pandemia hundiera el turismo, y cerró en 2023.
Los nuevos proyectos cuentan con un flujo estable de visitantes y tienen en cuenta el turismo de negocios. Gracias al complejo Music City Center, Nashville se ha convertido en un importante centro de congresos. Aquí se pueden organizar fiestas y visitas para clientes corporativos. Por ejemplo, el museo de Alan Jackson acogió a un grupo de 300 invitados a una boda: pudieron recorrer la exposición y felicitar a los recién casados.
Goldsmith también recuerda que Nashville acogerá en 2030 la Super Bowl, la final del campeonato de la Liga Nacional de Fútbol Americano de Estados Unidos. La ciudad espera una avalancha de aficionados y actos oficiales. Para entonces, quizá los actuales bares y museos temáticos hayan cedido el paso a un nuevo formato de entretenimiento. Goldsmith cree que el siguiente paso serán las destilerías vinculadas a artistas: «El museo de Jackson es la primera destilería de este tipo. Acuérdense de lo que digo: en los próximos cinco años abrirán en Nashville otras destilerías de artistas».
Para la ciudad, el turismo musical ya no consiste en un solo local o museo, sino en todo un sistema: exposiciones, bares, hoteles, eventos y experiencias especiales. Esa combinación es precisamente lo que debe mantener a los turistas en el centro y darles motivos para volver.
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La memoria musical de Nashville se pone cada vez más precio, y lo hace sin demasiados reparos. Al público no se le ofrece solo recordar una canción, sino recorrer un itinerario cuidadosamente diseñado: objeto de culto, experiencia interactiva, cóctel, recuerdo y noche en un hotel temático. La nostalgia hace tiempo que dejó de ser un sentimiento; ahora es una modalidad de servicio.
La lógica comercial de este modelo es evidente. Hay que dar al turista un motivo para quedarse en el centro, ofrecer a las familias un programa en el que los niños no se topen con un cartel de «solo para adultos» y proporcionar a los organizadores de congresos una velada lista para servir, sin tener que inventarse el entretenimiento. La música funciona aquí como un imán fiable: un nombre conocido reduce el riesgo de que el visitante pregunte para qué ha venido.
Lo más curioso es cómo la memoria personal se convierte en infraestructura comercial. Las cartas y la ropa de escenario crean una sensación de cercanía con el artista, mientras al lado esperan ya un rincón para hacerse fotos, una grabación de una canción, un evento privado o una copa de autor. Puede que las lágrimas de los visitantes sean completamente sinceras; sencillamente, el negocio ha aprendido a poner una caja registradora donde antes solo había una vitrina.
Sin embargo, el mercado no acepta la devoción como garantía de supervivencia. Algunos proyectos cerraron tras un atentado y una pandemia: causas que ni una buena exposición ni un nombre famoso pueden evitar. A la economía turística le encanta hablar de «flujo», como si las personas fueran agua del grifo, pero el flujo se seca cuando la ciudad se vacía, se aplazan los viajes y lo primero que se recorta son los gastos.
Por eso, la nueva apuesta no es un museo aislado, sino una red de espacios y servicios. El hotel, el escenario, el restaurante, la exposición y la sala de alquiler deben sostenerse mutuamente, como una banda bien compenetrada en la que cada cual toca una forma distinta de cobrar. La Super Bowl de 2030 parece una ocasión muy conveniente para poner a prueba el invento ante un público numeroso; la predicción de que abrirán nuevas destilerías ya suena a globo sonda para la siguiente ronda de inversiones.
Nada de esto resta valor a los museos para el público. Conservan objetos, cuentan biografías y ayudan a nuevos oyentes a descubrir la música. Pero detrás de la vitrina se distingue cada vez mejor un segundo objeto expuesto: la propia industria de las experiencias, que ha aprendido a vender no solo el pasado de una estrella, sino también una sensación de encuentro personal cuidadosamente escenificada.
La ciudad, por supuesto, lo llamará desarrollo turístico e infraestructura familiar. Los propietarios lo llamarán modelo sostenible, y los visitantes, una velada agradable. La contabilidad se limitará a apuntar que la devoción combina de maravilla con alquilar una sala y vender whisky.
