Cómo sienten la unión los músicos de música clásica

¿Cómo perciben los músicos clásicos la unión cuando tocan en un conjunto? Un estudio publicado en la revista Psychology of Music analizó cómo experimentan la sensación de conexión: cualquier actuación conjunta que esté por encima de lo corriente exige algo más que tocar las notas; requiere mostrarse física y emocionalmente abiertos y desarrollar habilidades especiales para trabajar en grupo. Resulta que tocar con precisión no garantiza el éxito. Para alcanzar una armonía auténtica, los músicos necesitan confianza y flexibilidad.

Las personas coordinan constantemente sus acciones con las de los demás: al cruzar la calle o al participar en deportes de equipo. Los psicólogos llaman a este fenómeno «acción conjunta». Crea la sensación de que no es una sola persona quien controla lo que ocurre, sino el grupo: una especie de propiedad compartida de los movimientos y los resultados. En la música, esta unión puede llevar a los participantes a un estado de inmersión total conocido como flujo (flow).

En los grupos musicales, ese flujo se convierte en una sensación de conexión estrecha, casi física, que los propios músicos llaman «estar juntos» o «sentirse parte». Por lo general, los científicos miden fenómenos así mediante la sincronización de la respiración o de los movimientos. Sin embargo, Sara D’Amario y Laura Bishop, de la Universidad de Oslo, se interesaron por las sensaciones subjetivas de los músicos. Querían saber si los intérpretes son conscientes de esa conexión, de qué depende y qué impide que surja.

Para averiguarlo, los investigadores entrevistaron a 22 estudiantes de un prestigioso conservatorio de Viena: diez pianistas y doce cantantes. Durante entrevistas de 15 minutos, les pidieron que describieran con la mayor libertad posible su propia experiencia al tocar en conjunto: qué entendían por «estar juntos», qué ayudaba a conectar con el compañero, qué dificultades surgían y qué hacer al respecto.

El análisis de las respuestas mostró que la idea de «estar juntos» tiene cuatro dimensiones. La primera es la sensación puramente física de sincronía: respirar juntos, hacer movimientos acompasados, mirarse. Los músicos describieron esos momentos como alegres y casi mágicos.

En segundo lugar, resultó que coincidir simplemente en el tiempo y el ritmo no siempre equivale a estar realmente «juntos». Hay poca conexión cuando todo suena según la partitura, pero falta la inspiración compartida. La conexión es intensa cuando el conjunto reacciona con flexibilidad a los demás, como si los músicos fueran un solo organismo. Para eso hacen falta confianza, disposición a adaptarse al compañero y un entendimiento mutuo sutil.

En tercer lugar, también importa el contexto. Los ensayos suelen ayudar a establecer contacto, aunque a veces surge una conexión potente de forma espontánea, desde el primer intento. La enseñanza tradicional con un profesor acompañante no favorece el desarrollo de esa sensación de unión; en cambio, los conciertos con público dan energía y acercan a los músicos.

En cuarto lugar, hay habilidades específicas para tocar en conjunto. Lo esencial es escucharse y no estar obsesionado con uno mismo. Los mayores fracasos de cohesión se producen cuando un músico se encierra en sí mismo, ignora a su compañero y se queda enganchado a la partitura. Para mejorar como conjunto, los participantes aconsejaron apartar la vista del papel más a menudo y prestar oído únicamente a cómo se toca con los demás.

Los sonidos ajenos, una mala acústica, el ruido y el cansancio destruyen el flujo. Y, al parecer, las preocupaciones de la vida personal de los artistas también se cuelan fácilmente en el conjunto e impiden que se sintonicen entre sí.

El estudio se basó en un grupo reducido de músicos avanzados, y no está claro que sus conclusiones puedan aplicarse a aficionados o a representantes de otros géneros. Además, las entrevistas se hicieron en inglés, que no es la lengua materna de muchos de ellos; quizá sus respuestas habrían sido más profundas en su idioma. Los investigadores admiten que su propia experiencia también pudo influir en las preguntas y en la interpretación de los datos. En el futuro planean recurrir a analistas externos para reducir el riesgo de sesgo y complementar los métodos subjetivos con otros objetivos: el análisis de respuestas fisiológicas, incluidos los latidos sincronizados.

El estudio se titula «Self-reported experiences of togetherness in classical music ensembles» y sus autoras son Sara D’Amario y Laura Bishop.