Julianne Moore: de ama de casa a fenómeno teatral
En el Middleburg Film Festival, Julianne Moore apareció con un llamativo vestido amarillo y el pelo pelirrojo; después presentó al público «The Debut», la comedia musical de Jesse Eisenberg. La película de A24 había causado una gran impresión entre el público y la crítica en el festival de Telluride. Según el texto original, el estreno en los cines rusos está previsto para el 11 de diciembre; la publicación no indica el año.
Eisenberg vuelve a ejercer de guionista y director tras «A Real Pain», por la que Kieran Culkin ganó el Óscar al mejor actor de reparto. Ahora, Moore figura entre las posibles candidatas a un premio de interpretación: da vida a Mona, una ama de casa deprimida de las afueras de Nueva Jersey que intenta convertirse en actriz en un grupo de teatro amateur local. Su interpretación ya ha recibido elogios entusiastas en los festivales y podría darle a Moore su sexta nominación al Óscar y, quizá, su segunda victoria. La primera la obtuvo en 2015 por «Still Alice». Moore comenzó su carrera en 1988 en la serie de televisión «As the World Turns».
Eisenberg escribió el personaje de Mona expresamente para Moore. Según él, no podía imaginarse a nadie más en ese papel: la protagonista le sirvió para contar su propia infancia; cuando tenía siete años, en 1990, participaba en un grupo de teatro amateur. El director describió a Mona como una mujer a la que la vida «ha masticado, pero no ha escupido», en referencia a su canción principal. Eisenberg y Moore ya habían trabajado juntos en «When You Finish Saving the World» (2022).
Moore pidió al propio Eisenberg que le diera la oportunidad de cantar y actuar en una comedia. Después de «Dear Evan Hansen», quería volver a cantar y, además, dejar de interpretar «a alguna madre sufridora». Según ella, Eisenberg convirtió esos deseos en una historia inesperada e ingeniosa. Lo considera un autor sensible, capaz de empatizar con sus personajes, y cree que la película es una celebración de la vida.
Moore no sabía que Mona se basaba en gran medida en las experiencias infantiles de Eisenberg hasta que el director se lo contó a los periodistas. Sin embargo, la actriz percibió que la historia estaba narrada desde el interior de la protagonista: el espectador ve lo que ocurre a través de sus ojos.
Mona viste como una colegiala: lleva faldas, blusas y chaquetas de punto. Aprende de forma literal, como una niña: primero imita los gestos externos y solo después los relaciona con sus sentimientos. Al principio, la protagonista pasa casi inadvertida incluso para su propia familia, pero el teatro le proporciona amistades y un lugar donde por fin la ven. Jerry, el director de la compañía, interpretado por Paul Giamatti, acepta a la inexperta Mona porque no tiene otros actores y luego intenta enseñarle el oficio escénico.
Eisenberg comparó su trayectoria con la historia de una niña que se cambia a una escuela adecuada para ella, pero suspende el primer examen y ve cómo los demás sacan sobresalientes. El profesor le plantea un ultimátum tajante: o viene y trabaja, o se queda fuera. A partir de ahí, Mona decide no rendirse y poco a poco se convierte en una auténtica «monstrua». Aun así, la compañía teatral la recibe con calidez: según Moore, la película retrata el mundo del teatro amateur sin malicia ni burla.
En una de las escenas clave, Jerry lleva a Mona al límite emocional en un escenario vacío. Eisenberg rodó este pasaje de ocho páginas a mitad del rodaje, no al principio ni al final, y avisó de antemano a Moore de que le prepararían un teleprónter. No quería que la cantidad de texto pusiera nerviosa a la actriz e interfiriera en el trabajo. Al final, Moore se aprendió la escena sin ayudas. Destaca que Giamatti fue un compañero atento y generoso: juntos buscaron el ritmo para que el diálogo sonara como un movimiento continuo.
La gran explosión emocional llega bastante pronto. Después, Mona no se convierte de repente en una actriz experimentada: al día siguiente vuelve a los ensayos y al principio cree que actuar consiste simplemente en hablar alto. Poco a poco, Jerry le enseña a trabajar con las emociones, la verdad y la intención. Es en esa escena donde Mona relaciona por primera vez la acción externa con sus propias vivencias.
El rodaje fue rápido: la película independiente tenía un presupuesto y un calendario limitados. Eisenberg recordaba que los dos primeros días de rodaje, que incluían grandes números musicales de conjunto, se rodaron en un solo día. Según él, Moore y Giamatti estuvieron estupendos desde la primera toma. Moore, por su parte, no sintió que hubiera prisa y dice que pudo terminar cada escena.
La película no se rodó en orden: primero, los episodios del teatro; después, las escenas familiares; y, por último, los cambios cada vez más extraños de Mona. Por eso, Moore tuvo que construir con precisión la evolución del personaje de una escena a otra. En la segunda parte de la película, la actriz y el equipo experimentaron con pelucas, maquillaje y vestuario. Según el guion, Mona recibe una descarga eléctrica y se estropea el pelo, tras lo cual cambia de peinado. La idea de oscurecerlo y cortarlo surgió durante la preparación: Moore quería rendir homenaje a las estrellas del teatro musical Liza Minnelli, Chita Rivera y Patti LuPone. Ese detalle se convierte en una especie de guiño para el personaje.
Moore considera a Eisenberg uno de los directores más abiertos a la colaboración con los que ha trabajado. Escuchaba las opiniones del equipo y pedía a los actores que propusieran cambios, aunque la película seguía siendo su visión de autor.
La canción principal de Mona, «Esta ciudad quizá me haya masticado (pero no me ha escupido)» («This City May Have Chewed Me Up (But It Hasn’t Spit Me Out)»), supuso un reto aparte. A Moore le preocupaba cantarla ante artistas con voces poderosas, entre ellos los ganadores del premio Tony Danny Burstein y Bonnie Milligan. Según la actriz, la canción ayuda a Mona a conectar por primera vez su experiencia emocional con la interpretación. La protagonista comprende que quiere más y ve en la creatividad un camino hacia sí misma, hacia la cercanía con otras personas y hacia su comunidad.
La complejidad del papel podría ser una ventaja para Moore en la carrera por el Óscar. Aunque la actriz ya ha ganado uno, eso no tiene por qué impedirle volver a triunfar: el récord lo tiene Katharine Hepburn, con cuatro Óscar, mientras que Meryl Streep, Frances McDormand, Jack Nicholson y Sean Penn han conseguido tres estatuillas cada uno. Pero el resultado de la carrera no lo decidirán las predicciones, sino el voto de los miembros de la Academia de Hollywood.
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A Hollywood le encanta anunciar quién es el favorito mucho antes de que nadie abra el sobre. Es un género muy práctico: el público de los festivales aplaude, la crítica encuentra los adjetivos apropiados y la temporada de premios se convierte en una larga fila de gente convencida de que la estatuilla ya está a punto de instalarse en su casa.
Esta vez, en el centro de la conversación está Julianne Moore, una actriz con un Óscar y un currículum imponente. La paradoja es que su victoria anterior funciona a la vez como capital y como obstáculo: a la Academia le gusta descubrir nombres nuevos, pero le gusta aún más premiar una historia convincente de regreso. En Hollywood hasta un reconocimiento puede presentarse como un problema y luego resolverse solemnemente con una segunda estatuilla.
La película propone una versión más humana de esa misma carrera. La protagonista intenta aprender a actuar, mientras la industria evalúa lo bien que la actriz interpreta a alguien que apenas está aprendiendo a hacerlo. Sale un pequeño espejo: el escenario representa el camino hacia uno mismo y, a su alrededor, la maquinaria publicitaria ya está en marcha, midiendo ese camino en predicciones y críticas de festivales.
Eisenberg subraya su vínculo personal con el material y la generosidad del proceso de dirección. Puede ser un gesto autoral sincero y, por supuesto, también una historia estupenda para la gira de promoción. En la promoción cinematográfica actual, las confesiones personales y las herramientas de marketing llevan mucho tiempo compartiendo ascensor; normalmente nadie pregunta cuál de ellas pulsó primero el botón.
También hay un aspecto práctico: el cine independiente se rueda sin el colchón de tiempo y dinero de un estudio, así que la preparación, unos actores precisos y una buena primera toma no son una leyenda bonita, sino la manera de terminar la jornada. Aquí un presupuesto modesto no es necesariamente una virtud; suele ser una circunstancia que el departamento de prensa aprende a convertir en prueba de una libertad creativa excepcional.
Las canciones, los ensayos teatrales y el cambio de imagen ofrecen a la campaña de premios etiquetas muy prácticas: papel complejo, trabajo musical, transformación total. Todo eso puede dar fe, de verdad, del talento. Pero la industria sabe convertir cualquier matiz humano en un punto de presentación, como si las emociones también tuvieran que pasar un casting antes de llegar a la pantalla.
Ahora solo queda esperar al público y al voto de la Academia. Ser favorito no es un premio, sino una predicción que entusiasma a quienes venden conversaciones sobre premios. Si no llega la estatuilla, la maquinaria encontrará otra explicación; si llega, proclamará que todo estaba decidido. Un oficio comodísimo: uno puede equivocarse tantas veces como quiera y luego llamar intuición a la siguiente predicción.
