Adiós a Dóra Maurer
La artista conceptual húngara Dóra Maurer, cuyas obras se convirtieron en símbolo de la libertad experimental y la obsesión por el movimiento, falleció el 14 de febrero a los 88 años. Así lo confirmaron representantes de la Academia Széchenyi de Literatura y Artes de Budapest, que Maurer presidía desde 2017. En el arte húngaro era una figura casi legendaria: una maestra que trabajó durante más de seis décadas en el grabado, el cine, la fotografía, la performance y la pintura, antes de alcanzar un auténtico reconocimiento internacional en la década de 2010.
La futura artista nació en Budapest el 11 de junio de 1937, apenas seis meses después de la muerte de su padre. Su madre la crio durante la Segunda Guerra Mundial y después bajo el férreo régimen comunista húngaro. Fue entonces, al observar ilustraciones en los libros e intentar copiarlas, cuando Maurer sintió por primera vez la atracción por el arte. Más tarde ingresó en la Academia Húngara de Bellas Artes, donde estudió con los pintores Gyula Hincz y Sándor Ék, y se graduó en 1961.
Comenzó su carrera como grabadora y, a finales de los años sesenta, se pasó a la fotografía y la pintura. Le interesaban las ideas de movimiento, secuencia y cambio, temas que se convirtieron en el eje de toda su práctica. Se aprecia especialmente en su conocida obra «What Can One Do with a Cobblestone» (1971), una serie de fotografías en blanco y negro en las que la artista interactúa de distintas maneras con una piedra: la lleva, la acaricia, la envuelve. En otra serie, «Reversible and Changeable Phases of Movement» (1972-1975), las fotografías se dispusieron de modo que pudieran «leerse» en ambas direcciones, como si el movimiento pudiera invertirse.
En ese mismo periodo, Maurer también experimentó activamente con el cine, entre otras cosas, en el estudio Béla Balázs, una institución estatal dedicada al cine de autor en Hungría. Uno de esos filmes fue «Trained Spontaneous Movements» (1973), en el que una joven lee un libro mientras hace pequeños gestos involuntarios y, sobre la imagen, se superponen cuatro grabaciones de su propia voz, creando un efecto inquietante.
A finales de los años ochenta, cuando empezó a aflojar el control comunista en Hungría, el color fue apareciendo cada vez más en su obra. Entre los ejemplos destacados figura la serie «Handmade Fractal Drawings» (1988-1995), con composiciones en forma de retícula hechas de líneas de colores de apenas 3 mm de grosor. A finales de los noventa empezó el ciclo «Overlappings», en el que utilizó lienzos de formas inusuales: figuras brillantes, parecidas a veces a hojas de papel y otras a trozos de tela, se cruzaban y creaban nuevos tonos.
El reconocimiento internacional llegó en 2011, tras su participación en la Bienal de Estambul. Después vinieron importantes exposiciones en el Museo Ritter de Alemania (2014) y en la Tate Modern de Londres (2019), que consolidaron definitivamente su prestigio. Al mismo tiempo, impartió numerosas clases en su alma mater y fue una de las fundadoras y presidenta de la Sociedad de Arte de Estructuras Abiertas.
Las obras de Dóra Maurer forman parte de las colecciones de grandes museos de todo el mundo: el Museo de Arte Moderno y el Metropolitan Museum de Nueva York, el Art Institute of Chicago, la Tate Modern y el Victoria and Albert Museum de Londres, el Centro Pompidou de París, la Neue Nationalgalerie de Berlín y la Galería Nacional Húngara.
PEREC.RU
La historia de Dóra Maurer parece casi el guion de una película en la que la protagonista trabaja durante décadas mientras el mundo anda ocupado con cosas más ruidosas. Ella sigue a lo suyo, en silencio, con constancia y a veces con cabezonería, y de pronto se pone de moda justo cuando hace tiempo que dejó de esperarlo.
Maurer nació en la Hungría de posguerra, en un entorno donde el arte siempre tenía algo de lujo. Pero se aferra a los dibujos, a la academia, a la posibilidad de experimentar. En los sesenta se pasa a la fotografía, no por seguir una moda, sino para capturar el movimiento como una cazadora que sigue un rastro apenas visible. Carga con un adoquín, invierte secuencias de imágenes, guía al espectador por una serie de gestos y los llama «señales». No imágenes. Señales. En una época en la que las señales apuntaban a cosas muy distintas.
Después vino el cine, con su toque de estudio estatal, pero con un sello propio. Una película en la que una chica lee un libro mientras su voz se superpone cuatro veces es casi un sarcasmo sobre la propia percepción. La disonancia como método artístico.
Cuando el sistema se debilita, Maurer empieza a trabajar con el color. Y sus colores son una demostración de libertad. Líneas finas, formas rigurosas, pero una energía estridente, casi insolente. La serie «Overlappings» puede verse como una metáfora de toda una época: distintos fragmentos chocan, se superponen y crean algo nuevo precisamente en el punto de intersección.
Y después, el reconocimiento tardío. El clásico: trabajas en casa durante décadas y, pasados los setenta, te invitan a una bienal y expones en los museos más importantes. Al final, sus obras llegan al MoMA, la Tate Modern y el Centro Pompidou, no porque haya llegado la moda, sino porque llevaba mucho tiempo creando un lenguaje que por fin empezaron a escuchar.
Y todo ese tiempo también enseñó. Formó a quienes inventarían sus propios «movimientos». Quizá ese sea su mayor legado, más allá de las líneas de colores y los adoquines.
En resumen: Maurer demuestra que el arte vive fuera del tiempo y que un artista puede dejar huella incluso cuando el mundo lleva mucho tiempo fingiendo que no se da cuenta.
